Древнейший этап развития культуры – эпоха палеолита (35-10 тыс. лет до н.э.), когда появились основные виды изобразительных искусств. Памятники скульптуры, живописи, прикладного искусства в большом количестве найдены в Европе, в Южной Азии и Северной Африке. Наиболее интенсивно проявилась творческая одаренность человека в росписях на стенах и потолках пещер, в глубинах подземных галерей и гротах. После отступления ледника на север в Европе установился умеренный климат. У древних людей не было постоянного жилища. Им приходилось ютиться в пещерах и расселинах скал. В борьбе с силами природы у людей выработалась основная тема искусства, в котором преобладали изображения диких животных, являющихся объектом охоты. Ранние рисунки примитивны; это контурные изображения голов зверей на известняковых плитах, оттиски человеческой руки, обведенной по контуру краской, беспорядочные переплетения волнистых линий, продавленные в сырой глине пальцами руки. Позже в рисунках и живописи на стенах и потолках пещер появляется весь мир животных того времени. Монументальные фигуры животных наносились кремневым резцом по камню или краской по слою сырой глины на стенах пещер. В живописи использовались земляные краски, желтая и бурая охра, красно-желтый железняк, черный марганец и уголь, белая известь.
Высшего расцвета искусство эпохи палеолита достигает в мадленский период (20-10 тыс. лет до н.э.). В наскальных росписях и рисунках образы животных приобрели конкретные черты, появились точность формы, умение выделить из множества наблюдений главное. Животные изображались в разнообразных движениях. В живописи совершается переход от простейшего контурного рисунка, равномерно залитого краской, к многоцветной росписи. Первобытного человека интересует не только внешний вид животного, но и его характер, повадки.
В памятниках мадленского периода встречаются большей частью единичные изображения животных, почти не связанных действием в единую композицию. Однако к этому же периоду относятся зачатки более сложных решений – композиций, объединяющих фигуры действием, передающих конкретный жизненный эпизод. Замечательные росписи этого периода найдены во Франции в пещере Ласко (рис.1). В своей основе искусство палеолита наивно реалистично. Разум человека только пробуждался, а жизненные наблюдения сочетались с фантастикой и магией. Верно воспринимая отдельные предметы, первобытный человек еще не мог охватить цельную картину мира.
Важный этап в развитии первобытного искусства наступил в эпоху мезолита (10-6 тыс. лет до н.э.). Наскальные росписи этого времени исполнены ровно положенной красной или черной краской. Центральной темой искусства осталась охота. Но в росписях впервые появились изображения человека, его деятельности, его взаимодействия с природой. Тематика росписей обогащается и новыми сюжетами (сбор плодов с деревьев, загон скота).
В древнем мире художественное творчество становится более целостным, оно объединяется едиными принципами и идеями эпохи. Египет – одно из древнейших государств мира, а его искусство – один из самых ранних вкладов в историю культуры стран Древнего Востока. В конце 4 – начале 3 тыс. до н.э. возникли первые государства. К этому же времени относятся величайшие произведения древнеегипетского изобразительного искусства. Нигде и никогда до этого времени не было создано столь грандиозных монументальных форм. Никогда еще человек и его жизнь не играли в искусстве такой важной роли, и тема человеческого труда не была так акцентирована. Египетские пирамиды, храмы с рельефами и росписями свидетельствовали о большой художественной одаренности одного из древнейших народов мира. Египетская культура развивалась медленно. Сложившиеся традиции и правила передавались из поколения в поколение. Памятники искусства рассказывают не только о поклонении различным богам, но и об исторических событиях. Животные олицетворяют не просто покровителей людей, но самих богов, то в виде могучего быка, то в виде льва. Устанавливаются и надолго фиксируются правила изображения в живописи. Вырабатываются характерные для египетского искусства приемы расположения фигур на плоскости. Широкие и сильные плечи - в фас, ноги и голова - в профиль (рис.2). Такой способ изображения позволял выбрать наиболее выразительное положение. Росписи приобрели большую самостоятельность. Композиции сменились более свободно сгруппированными сценами, краски стали нежнее и прозрачнее. В основном применялись золотистые, зеленые, синие, красные цвета. Неотъемлемую часть гробниц и храмов составляли рельефы и росписи, многие из которых насыщены динамикой.
Одним из древнейших центров культуры был остров Крит. Исполненные по сырой штукатурке росписи в виде фризов или панелей заполняли стены дворцов. Здесь изображалась жизнь обитателей: ритуальные танцы, полуобнаженные женщины и юноши, животные, рыбы, птицы, яркие цветы (рис.3). В изображениях встречаются нарядные женщины с пышными прическами, украшенными жемчугом. В росписях преобладали яркие краски: желтая, синяя, зеленая, красная. Однако общий характер Критской живописи сохранял декоративность и плоскостность.
Высшего расцвета искусство эпохи палеолита достигает в мадленский период (20-10 тыс. лет до н.э.). В наскальных росписях и рисунках образы животных приобрели конкретные черты, появились точность формы, умение выделить из множества наблюдений главное. Животные изображались в разнообразных движениях. В живописи совершается переход от простейшего контурного рисунка, равномерно залитого краской, к многоцветной росписи. Первобытного человека интересует не только внешний вид животного, но и его характер, повадки.
В памятниках мадленского периода встречаются большей частью единичные изображения животных, почти не связанных действием в единую композицию. Однако к этому же периоду относятся зачатки более сложных решений – композиций, объединяющих фигуры действием, передающих конкретный жизненный эпизод. Замечательные росписи этого периода найдены во Франции в пещере Ласко (рис.1). В своей основе искусство палеолита наивно реалистично. Разум человека только пробуждался, а жизненные наблюдения сочетались с фантастикой и магией. Верно воспринимая отдельные предметы, первобытный человек еще не мог охватить цельную картину мира.
Важный этап в развитии первобытного искусства наступил в эпоху мезолита (10-6 тыс. лет до н.э.). Наскальные росписи этого времени исполнены ровно положенной красной или черной краской. Центральной темой искусства осталась охота. Но в росписях впервые появились изображения человека, его деятельности, его взаимодействия с природой. Тематика росписей обогащается и новыми сюжетами (сбор плодов с деревьев, загон скота).
В древнем мире художественное творчество становится более целостным, оно объединяется едиными принципами и идеями эпохи. Египет – одно из древнейших государств мира, а его искусство – один из самых ранних вкладов в историю культуры стран Древнего Востока. В конце 4 – начале 3 тыс. до н.э. возникли первые государства. К этому же времени относятся величайшие произведения древнеегипетского изобразительного искусства. Нигде и никогда до этого времени не было создано столь грандиозных монументальных форм. Никогда еще человек и его жизнь не играли в искусстве такой важной роли, и тема человеческого труда не была так акцентирована. Египетские пирамиды, храмы с рельефами и росписями свидетельствовали о большой художественной одаренности одного из древнейших народов мира. Египетская культура развивалась медленно. Сложившиеся традиции и правила передавались из поколения в поколение. Памятники искусства рассказывают не только о поклонении различным богам, но и об исторических событиях. Животные олицетворяют не просто покровителей людей, но самих богов, то в виде могучего быка, то в виде льва. Устанавливаются и надолго фиксируются правила изображения в живописи. Вырабатываются характерные для египетского искусства приемы расположения фигур на плоскости. Широкие и сильные плечи - в фас, ноги и голова - в профиль (рис.2). Такой способ изображения позволял выбрать наиболее выразительное положение. Росписи приобрели большую самостоятельность. Композиции сменились более свободно сгруппированными сценами, краски стали нежнее и прозрачнее. В основном применялись золотистые, зеленые, синие, красные цвета. Неотъемлемую часть гробниц и храмов составляли рельефы и росписи, многие из которых насыщены динамикой.
Одним из древнейших центров культуры был остров Крит. Исполненные по сырой штукатурке росписи в виде фризов или панелей заполняли стены дворцов. Здесь изображалась жизнь обитателей: ритуальные танцы, полуобнаженные женщины и юноши, животные, рыбы, птицы, яркие цветы (рис.3). В изображениях встречаются нарядные женщины с пышными прическами, украшенными жемчугом. В росписях преобладали яркие краски: желтая, синяя, зеленая, красная. Однако общий характер Критской живописи сохранял декоративность и плоскостность.
Журнал "Деко" 4.25.2007
История возникновения росписи. Фрески от полеолита до наших дней.
История возникновения росписи.
рис. 1
рис. 2
рис. 3
В Древней Греции (конец 5 – 4 в. до н.э.) художественной задачей оставалось изображение человека, но все чаще обращались к таким сторонам быта, которые не укладывались в мифологические образы, характерные для Древнего Египта. Стояла проблема передачи чувств и эмоций человека. В живописи все большее место занимала узорчатая орнаментальность, героические мотивы сменялись лирическими.
С перенесением акцента на интерьер и появлением парадных комнат в римских домах на основе греческой традиции разрабатывается система высокохудожественных стенных росписей. Помпейские росписи знакомят с основными чертами античной фрески. Римляне применяли росписи также для украшения фасадов, используя их как вывески торговых помещений или ремесленных мастерских.
С усилением роли церковного интерьера в средние века формировались новые принципы синтеза искусств, воплощенные в стенных и плафонных росписях. Впервые объединяются духовное содержание с декоративностью. В этот период большое развитие получает именно церковная живопись. Именно в этот период появляется термин «фреска» (в переводе с итальянского «affresco» - по сырому, то есть письмо по сырому еще свежему известковому грунту). Русские художники-иконописцы средних веков внесли огромный вклад в историю развития фресковой живописи. Ярким примером служат сохранившиеся до наших дней росписи Ферапонтова монастыря, выполненные Дионисием. Во Владимире – росписи Андрея Рублева, а так же росписи древнего Новгорода, Ярославля, Ростова Великого.
В технике фрески созданы самые значительные и выдающиеся произведения стенописи. У всех на слуху имена таких известных мастеров как Джотто (рис.4), Мазаччо, Рафаэль, Микеланджело, Леонардо да Винчи. Эпоха Возрождения знаменовала собой всплеск развития культуры, который начался в Италии и распространился по всей Северной Европе. Художники этого периода считали, что возрождают ценности времен Древней Греции и Рима (рис.5).
По сравнению с эпохой Возрождения искусство 17 века сложнее, противоречивее в содержании и художественных формах. Но образ человека остается по-прежнему в центре внимания. Титаны, воспетые в произведениях искусства Возрождения, уступили место человеку. Его воплощение становится более конкретным и эмоциональным. Реальная жизнь раскрывается в многообразии конфликтов, сатирических и комедийных ситуациях. С усилением католицизма и феодальной реакции связано формирование стиля барокко, одним из главных центров которого становится Рим. Церковь и правители стремились использовать искусство в своих целях, внушить массам чувство благоговения перед властью, поразить и ослепить ее великолепием. Отсюда тяготение мастеров барокко к грандиозным размерам, сложным формам, монументальной приподнятости, пафосу. Живописцы расписывают плафоны многочисленных церквей и дворцов композициями на религиозные и мифологические сюжеты, которые создают иллюзию необъятного пространства. Сложнейшие ракурсы, движения фигур, перспективные построения исполнены с виртуозным мастерством.
Искусство 18 века характеризуется видоизменением поздних форм барокко в декоративный стиль рококо. В Италии в связи с проведенными раскопками засыпанных при извержении Везувия античных городов Помпеи и Геркуланума вновь нарастает интерес в античной культуре. Рим становится одним из центров не только итальянской, но и европейской художественной жизни. Блестящим декоратором и живописцем был Джованни Батиста Тьеполо, который работал не только в Италии, но и в Германии, Испании; его произведения украшали дворцы русских вельмож. К числу наиболее эффектных относятся росписи дворца в Вюрцбурге на сюжеты из истории средних веков. В сложнейших и разнообразных ракурсах изображал он фигуры летящих ангелов или парящих в облаках античных богов и героев. В отличие от барочных мастеров, Тьеполо дает более легкие композиции, разделяя людей воздушным пространством. В венецианском палаццо Лабиа находятся его фрески «Пир Антония и Клеопатры» и «Встреча Антония и Клеопатры» (рис.6).
С перенесением акцента на интерьер и появлением парадных комнат в римских домах на основе греческой традиции разрабатывается система высокохудожественных стенных росписей. Помпейские росписи знакомят с основными чертами античной фрески. Римляне применяли росписи также для украшения фасадов, используя их как вывески торговых помещений или ремесленных мастерских.
С усилением роли церковного интерьера в средние века формировались новые принципы синтеза искусств, воплощенные в стенных и плафонных росписях. Впервые объединяются духовное содержание с декоративностью. В этот период большое развитие получает именно церковная живопись. Именно в этот период появляется термин «фреска» (в переводе с итальянского «affresco» - по сырому, то есть письмо по сырому еще свежему известковому грунту). Русские художники-иконописцы средних веков внесли огромный вклад в историю развития фресковой живописи. Ярким примером служат сохранившиеся до наших дней росписи Ферапонтова монастыря, выполненные Дионисием. Во Владимире – росписи Андрея Рублева, а так же росписи древнего Новгорода, Ярославля, Ростова Великого.
В технике фрески созданы самые значительные и выдающиеся произведения стенописи. У всех на слуху имена таких известных мастеров как Джотто (рис.4), Мазаччо, Рафаэль, Микеланджело, Леонардо да Винчи. Эпоха Возрождения знаменовала собой всплеск развития культуры, который начался в Италии и распространился по всей Северной Европе. Художники этого периода считали, что возрождают ценности времен Древней Греции и Рима (рис.5).
По сравнению с эпохой Возрождения искусство 17 века сложнее, противоречивее в содержании и художественных формах. Но образ человека остается по-прежнему в центре внимания. Титаны, воспетые в произведениях искусства Возрождения, уступили место человеку. Его воплощение становится более конкретным и эмоциональным. Реальная жизнь раскрывается в многообразии конфликтов, сатирических и комедийных ситуациях. С усилением католицизма и феодальной реакции связано формирование стиля барокко, одним из главных центров которого становится Рим. Церковь и правители стремились использовать искусство в своих целях, внушить массам чувство благоговения перед властью, поразить и ослепить ее великолепием. Отсюда тяготение мастеров барокко к грандиозным размерам, сложным формам, монументальной приподнятости, пафосу. Живописцы расписывают плафоны многочисленных церквей и дворцов композициями на религиозные и мифологические сюжеты, которые создают иллюзию необъятного пространства. Сложнейшие ракурсы, движения фигур, перспективные построения исполнены с виртуозным мастерством.
Искусство 18 века характеризуется видоизменением поздних форм барокко в декоративный стиль рококо. В Италии в связи с проведенными раскопками засыпанных при извержении Везувия античных городов Помпеи и Геркуланума вновь нарастает интерес в античной культуре. Рим становится одним из центров не только итальянской, но и европейской художественной жизни. Блестящим декоратором и живописцем был Джованни Батиста Тьеполо, который работал не только в Италии, но и в Германии, Испании; его произведения украшали дворцы русских вельмож. К числу наиболее эффектных относятся росписи дворца в Вюрцбурге на сюжеты из истории средних веков. В сложнейших и разнообразных ракурсах изображал он фигуры летящих ангелов или парящих в облаках античных богов и героев. В отличие от барочных мастеров, Тьеполо дает более легкие композиции, разделяя людей воздушным пространством. В венецианском палаццо Лабиа находятся его фрески «Пир Антония и Клеопатры» и «Встреча Антония и Клеопатры» (рис.6).
рис. 4
рис. 5
рис. 6
Неравномерно развивались различные области культуры в 19 веке. Высочайших вершин достигает мировая литература, что касается росписи стен, то после подъема, определившего стиль ампир, этот вид искусства переживает кризис. Происходит распад монументальных форм и наиболее полное развитие получает станковая живопись.
В 20-м веке в связи с многочисленными революциями и войнами искусство переживает глубокий упадок. Современная роспись зарождается в 20-30-е годы параллельно в Советском Союзе и в Мексике. Лидеры мексиканского возрождения – живописцы Диего Ривера (рис.7), Хосе Клементе Ороско, Давид Альфаро Сикейрос. Мексиканцев интересуют не принципы организации формы, а путь превращения объекта в символ. Для них важна не гармония, вносимая в среду, их цель – политически активное искусство. Скачком в развитии мексиканского монументального искусства стал выход росписей из интерьеров в городскую среду, на фасады зданий. Первым опытом была созданная Ороско в 1948 году «Национальная аллегория» на стенке в театре. В 1950-е годы роспись занимает ключевое место в композиции крупных зданий. И этим примером уже пользуются многие художники разных стран мира, в том числе и Советского Союза.
В СССР монументальная живопись возродилась в 20-х годах. Еще задолго до Октябрьской революции Ленин писал о том, что необходимо представить массам во всем его величии, во всей его прелести демократический и социалистический идеал. Ленин изложил «план монументальной пропаганды». Революция позволила поставить перед художниками эту задачу как практическую. В Декрете Совнаркома от 1918 года выражается желание, чтобы через 2 недели, то есть к Первомайскому празднику 1918 года, были сняты «наиболее уродливые истуканы» монархического режима и выставлены «первые модели новых памятников на суд масс». Монументальное искусство нашло огромное применение в оформлении общественно-культурных объектов на фасадах и в интерьерах. С появлением акриловых красок были разработаны новые технологии монументально-декоративной росписи. Эта техника (роспись по сухой штукатурке) более доступна, не требует больших физических и временных затрат. Впервые техника росписи акриловыми красками была применена мексиканскими монументалистами. В Советский период был рассвет монументального искусства. Большой вклад внесли такие выдающиеся художники как: Иорданский, Рублев, Дейнеко, Фаворский, Тальберк, Мерперт, братья Неклюдовы, Замков, Павленко и многие другие.
В настоящее время роспись не потеряла своей актуальности. Расписывается большое число храмов, общественных объектов. Роспись плотно вошла в частный интерьер (рис.8).
В 20-м веке в связи с многочисленными революциями и войнами искусство переживает глубокий упадок. Современная роспись зарождается в 20-30-е годы параллельно в Советском Союзе и в Мексике. Лидеры мексиканского возрождения – живописцы Диего Ривера (рис.7), Хосе Клементе Ороско, Давид Альфаро Сикейрос. Мексиканцев интересуют не принципы организации формы, а путь превращения объекта в символ. Для них важна не гармония, вносимая в среду, их цель – политически активное искусство. Скачком в развитии мексиканского монументального искусства стал выход росписей из интерьеров в городскую среду, на фасады зданий. Первым опытом была созданная Ороско в 1948 году «Национальная аллегория» на стенке в театре. В 1950-е годы роспись занимает ключевое место в композиции крупных зданий. И этим примером уже пользуются многие художники разных стран мира, в том числе и Советского Союза.
В СССР монументальная живопись возродилась в 20-х годах. Еще задолго до Октябрьской революции Ленин писал о том, что необходимо представить массам во всем его величии, во всей его прелести демократический и социалистический идеал. Ленин изложил «план монументальной пропаганды». Революция позволила поставить перед художниками эту задачу как практическую. В Декрете Совнаркома от 1918 года выражается желание, чтобы через 2 недели, то есть к Первомайскому празднику 1918 года, были сняты «наиболее уродливые истуканы» монархического режима и выставлены «первые модели новых памятников на суд масс». Монументальное искусство нашло огромное применение в оформлении общественно-культурных объектов на фасадах и в интерьерах. С появлением акриловых красок были разработаны новые технологии монументально-декоративной росписи. Эта техника (роспись по сухой штукатурке) более доступна, не требует больших физических и временных затрат. Впервые техника росписи акриловыми красками была применена мексиканскими монументалистами. В Советский период был рассвет монументального искусства. Большой вклад внесли такие выдающиеся художники как: Иорданский, Рублев, Дейнеко, Фаворский, Тальберк, Мерперт, братья Неклюдовы, Замков, Павленко и многие другие.
В настоящее время роспись не потеряла своей актуальности. Расписывается большое число храмов, общественных объектов. Роспись плотно вошла в частный интерьер (рис.8).
рис. 7
рис. 8
С названием фрески мы встречаемся впервые только в конце 14 века, хотя техника фрески была уже известна и в древности и в средние века. В настоящее время понятию фрески часто придается более широкое значение; некоторые неправильно подразумевают под этим понятием все способы живописи, при которых употребляется гашеная известь, другие считают фреской всякую стенную живопись. В действительности же можно обозначить этим термином только такую живописную технику, при которой пишут по свежей, еще влажной штукатурке красками, разбавленными водой. Термин «фреска» происходит от итальянского выражения «affresco» - письмо по сырому грунту. В Италии фреской называют все росписи, в любом материале, которые выполнены в архитектуре. Потому понадобились 2 уточнения «bouone fresco» - «истинная фреска» и «fresco a secco» - так называемая фреска по-сухому, которая по существу является просто работой известковыми красками по отвердевшей, но смоченной перед работой штукатурке.
В Россию термин «фреска» пришел из Италии не ранее 18 века. Об этом можно судить по тому, что еще в 16-17 веках в русских документах он не встречается и о такого характера работах в летописных сводах, уставах и указах писали: «стенное письмо на сыром левкасе». Термином же «стенное письмо» означали все росписи на архитектурных поверхностях, выполненные в любой технике. Фреска была широко распространена в прошлые эпохи. Предполагается, что ее знали в Древней Греции, писали ею в Древнем Риме, Византии, на Руси 10-12 веков.
Техника фрески зародилась в глубинах античной культуры, затем была разнесена на весь регион культуры европейской. За время своего применения разными народами и в течение значительного времени изменялась в соответствии с художественными задачами, которые стояли перед мастерами определенной эпохи и региона. Единственное, что характерно для всех ее модификаций – это известковое связующее грунтов и красок. Одновременно с высыханием поверхности штукатурки просыхает и вся живопись, становясь нерастворимой.
Классическим типом грунта для настенной живописи можно считать известковую штукатурку. Необходимо подчеркнуть, что штукатурка действительно должна быть мокрой, свежей, чтобы произошел процесс соединения. Чем дольше сохнет штукатурка, тем прочнее связываются краски. Поэтому важно, чтобы грунт фрески, штукатурка и стена по возможности дольше задерживали воду и лишь медленно передавали ее на поверхность. Таким свойством обладают кирпичная стена и песчано-известковая штукатурка. Связь красок образуется у фрески сравнительно скоро, через 7, самое большее 12 часов. Этим временем определяется срок, в течение которого живописец должен закончить свою работу. Если живопись приходится исполнять на старых стенах, то следует сбить прежнюю штукатурку для удаления растворимых солей натрия, магния и кальция, которые впоследствии могут выделиться на поверхности в виде серых пятен и разрушить таким образом всю живопись.
В древние времена добавляли в самые ценные штукатурки молоко, в средние века добавляли яйца, в Китае – сахар. Все эти вещества образуют с известью нерастворимые соли и они способствуют более сильному отвердеванию штукатурки, что в настоящее время достигается добавлением цемента, гидравлической извести или гипса.
Современная наука не имеет оснований считать фреску древнейшей техникой стенописи, так как научные исследования грунтов древнеегипетских росписей, проведенные уже в наше время известным английским египтологом А.Лукасом, изложенные им в труде «Материалы и ремесленные производства Древнего Египта», убедительно свидетельствуют, что древнеегипетская культура не знала извести, и что этот материал пришел туда лишь в 4 веке до н.э.
Фреска итальянского Возрождения как техника стенописи имела как тщательно заглаженную и заполированную поверхность, так и матовую. Краски использовались жидкие, почти прозрачные, но в 16-17 веках они стали полупрозрачными, а в более поздних работах – совсем плотными. Ранние фрески (вставки небольшого размера) писались в один прием. Более поздние – огромные композиции писались по частям – небольшими фрагментами.
В наше время появились новые технологии, которые позволяют значительно сократить время подготовки стены и при этом не теряется качество живописи. В первые годы Советской власти фреской было выполнено довольно много работ в рабочих клубах и домах культуры, которые почти не сохранились до наших дней. В довоенное время при проектировании Дворца Советов была предпринята попытка возродить эту технику стенописи. Но в настоящее время по целому ряду причин эта техника не имеет широкого распространения. Сейчас произведения в технике фрески если и выполняются, то технология ведения работ, и особенно с грунтами, сведена к минимуму. Современные художники пользуются техникой росписи стен по сухой штукатурке. Об этой технике я расскажу в следующий раз. И мастер-класс для Вас проведет художник-монументалист Иванов Александр Валентинович.
В Россию термин «фреска» пришел из Италии не ранее 18 века. Об этом можно судить по тому, что еще в 16-17 веках в русских документах он не встречается и о такого характера работах в летописных сводах, уставах и указах писали: «стенное письмо на сыром левкасе». Термином же «стенное письмо» означали все росписи на архитектурных поверхностях, выполненные в любой технике. Фреска была широко распространена в прошлые эпохи. Предполагается, что ее знали в Древней Греции, писали ею в Древнем Риме, Византии, на Руси 10-12 веков.
Техника фрески зародилась в глубинах античной культуры, затем была разнесена на весь регион культуры европейской. За время своего применения разными народами и в течение значительного времени изменялась в соответствии с художественными задачами, которые стояли перед мастерами определенной эпохи и региона. Единственное, что характерно для всех ее модификаций – это известковое связующее грунтов и красок. Одновременно с высыханием поверхности штукатурки просыхает и вся живопись, становясь нерастворимой.
Классическим типом грунта для настенной живописи можно считать известковую штукатурку. Необходимо подчеркнуть, что штукатурка действительно должна быть мокрой, свежей, чтобы произошел процесс соединения. Чем дольше сохнет штукатурка, тем прочнее связываются краски. Поэтому важно, чтобы грунт фрески, штукатурка и стена по возможности дольше задерживали воду и лишь медленно передавали ее на поверхность. Таким свойством обладают кирпичная стена и песчано-известковая штукатурка. Связь красок образуется у фрески сравнительно скоро, через 7, самое большее 12 часов. Этим временем определяется срок, в течение которого живописец должен закончить свою работу. Если живопись приходится исполнять на старых стенах, то следует сбить прежнюю штукатурку для удаления растворимых солей натрия, магния и кальция, которые впоследствии могут выделиться на поверхности в виде серых пятен и разрушить таким образом всю живопись.
В древние времена добавляли в самые ценные штукатурки молоко, в средние века добавляли яйца, в Китае – сахар. Все эти вещества образуют с известью нерастворимые соли и они способствуют более сильному отвердеванию штукатурки, что в настоящее время достигается добавлением цемента, гидравлической извести или гипса.
Современная наука не имеет оснований считать фреску древнейшей техникой стенописи, так как научные исследования грунтов древнеегипетских росписей, проведенные уже в наше время известным английским египтологом А.Лукасом, изложенные им в труде «Материалы и ремесленные производства Древнего Египта», убедительно свидетельствуют, что древнеегипетская культура не знала извести, и что этот материал пришел туда лишь в 4 веке до н.э.
Фреска итальянского Возрождения как техника стенописи имела как тщательно заглаженную и заполированную поверхность, так и матовую. Краски использовались жидкие, почти прозрачные, но в 16-17 веках они стали полупрозрачными, а в более поздних работах – совсем плотными. Ранние фрески (вставки небольшого размера) писались в один прием. Более поздние – огромные композиции писались по частям – небольшими фрагментами.
В наше время появились новые технологии, которые позволяют значительно сократить время подготовки стены и при этом не теряется качество живописи. В первые годы Советской власти фреской было выполнено довольно много работ в рабочих клубах и домах культуры, которые почти не сохранились до наших дней. В довоенное время при проектировании Дворца Советов была предпринята попытка возродить эту технику стенописи. Но в настоящее время по целому ряду причин эта техника не имеет широкого распространения. Сейчас произведения в технике фрески если и выполняются, то технология ведения работ, и особенно с грунтами, сведена к минимуму. Современные художники пользуются техникой росписи стен по сухой штукатурке. Об этой технике я расскажу в следующий раз. И мастер-класс для Вас проведет художник-монументалист Иванов Александр Валентинович.
Техника настенной живописи
Использование материалов сайта возможно только с письменного разрешения художника.
© 2016-2024 ЕКАТЕРИНА ИВАНОВА
